Как искусство помогает коммерсантам создавать узнаваемость и ценность, какие рекламные кампании были сделаны великими художниками и как некоммерческие произведения искусства становились моторами продаж — этой теме была посвящена встреча членов петербургского закрытого нетворкинг-клуба «Бизнесмены – гедонисты», состоявшаяся 14 августа 2025 года в арт-коворкинге «Ясная Поляна».

Это уже вторая встреча в арт-пространстве, организованная Банком «Санкт-Петербург» в рамках премии для предпринимателей Северной столицы и Ленинградской области «Малый бизнес – Большие возможности». В этом году состязание проходит под девизом «Искусство быть предпринимателем». Первая встреча прошла 4 июля.

Клуб дает замечательную возможность для общения творческих людей, занимающихся бизнесом, и предпринимателей с творческим подходом к делу.

Есть прописная истина: талантливый человек талантлив во всем. Общение и обмен идеями — вот что, прежде всего, ценно в этих встречах — отметила, открывая событие, директор Дирекции массового корпоративного бизнеса и развития продаж Банка «Санкт-Петербург» Маргарита Анисимова.

О чем эта лекция

Как гении оставались творцами, даже когда работали в «низком» жанре. Эту тему в своей лекции «Маркетинг и искусство: как Уорхол, Дали и Баскиа делали гениальную рекламу для мировых брендов» раскрыла искусствовед, соосновательница культурно-образовательного проекта bigcity.art Наталья Карасева

Это огромная тема, требующая монографий и диссертаций — тем более, что затронуты были и другие выдающиеся люди. Искусствовед лишь показала разные кейсы. Как большие художники помогали продвижению продуктов? Иногда это происходило как выполнение четко обозначенного заказа, иногда произведения создавались по вдохновению, и лишь потом поднимались на щит теми или иными брендами.

Все истории очень поучительны, особенно для сегодняшних предпринимателей, да еще и работающих в Санкт-Петербурге – культурной столице России.

«Моя специализация — искусство XX—XXI веков. Я люблю этот период, он всегда вызывает споры, бурю эмоций. Это не классический период, который принимают все и который кажется понятным», – пояснила Наталья Карасева.

Простые вещи в XX веке стали частью искусства. В эпоху развития промышленности два мира: высокого и утилитарного объединились. Этому процессу уже больше ста лет. Он привел к удивительному результату, причем ситуация продолжает развиваться.

Особенно плодотворный период для массового выпуска самых разных товаров начался после II Мировой войны. Вот карикатура той эпохи. Пара в галерее — чем она любуется? Мы видим бытовые предметы: холодильник, вентилятор. Люди всматриваются в технические новинки как раньше смотрели на предметы духовного наследия.

Настало время новых ценностей. Люди восхищаются продуктами массового потребления. Возникло направление в искусстве, которое уловило этот тренд.

Умелые руки гения

Но начать рассказ надо с более раннего периода — с Пабло Пикассо. Тему лекции ярко (во всех смыслах) затронули коллажи художника.

Коллаж — это просто. Вспомним, творческие занятия в школе или кружок «Умелые руки» в летнем лагере. Тут, казалось бы, даже уметь рисовать не обязательно: собрали вырезки из журналов, вырезали и наклеили.

Коллажи делали давно, но лишь Пикассо ввел этот формат в сферу искусств. Вот его работы 1912 и 1915 годов. Обои, газеты, какая-то цветная бумага, «деревяшка» хотя это изображение дерева, еще ноты, чертежи какие-то, собрал, склеил. Более 100 лет назад это казалось странным. Именно мысль Пикассо сделала коллажи произведениями вечного искусства.

Художник взял бумагу с названиями популярных парижских универмагов и вставил их в свои работы. Это не был заказ на рекламу. Мастер увидел, что в торговых заведениях идет жизнь, они привлекают людей.

Следующая его работа. Художник добавил в коллаж… стул, настоящий предмет мебели. Так получилась трехмерная инсталляция. Обычный плетеный стул — в парижских кафе рядовой предмет. Художник разрешил ему войти в мир искусства.

Тело как продукт

Вместе с лектором мы перевалили через рубеж середины двадцатого века. Именно тогда появился стиль поп-арт, его основоположник – британский художник Ричард Гамильтон. Классическая его работа создана в 1950-е годы, когда Гамильтону заказали афишу для выставки. И она стала легендарной.

Что же мы видим? Карамель «Чупа-чупс», ветчина, магнитофон, пылесос. Привлекательные мужчина и женщина. Портрет — не имеет значения, чей портрет. Ковер или узор, похожий на настроечную таблицу телевизора. Кинопостер. Эмблема автомобиля «Форд».

«Что общего в этих объектах?» – спрашивает Наталья Карасева. И сама же отвечает: «Это же объекты желания! Все, что хотел бы иметь человек 50х—60х годов».

И все детали коллажа — объекты массового производства. Даже тела мужчин и женщин — это продукт, продукт фитнес-индустрии. Все это массово производится, все не индивидуально, все доступно за деньги.

«Так что же делает наши сегодняшние дома такими разными, такими привлекательными?», – так иронически описал картину сам автор. Мы тешим себя мыслью, что мы уникальны. А живем мы плюс-минус одинаковую жизнь. Гамильтон это понял еще в 1956 году.

Многорукий поп-арт

Самым известным представителем поп-арта признан американец Энди Уорхол. Это имя слышали даже далекие от мира искусства люди. Если бы вас пригласили на тематическую вечеринку, предложив явиться в стиле этого художника, вы знали бы что надеть: черная водолазка, большие очки, седой парик.

Он был связан с коммерцией с самого начала своего пути. Он родился в 1928 году, в первой половине 1950-х годов учился в Питтсбурге на иллюстратора. Компьютеров еще не было. Прессе требовалось много иллюстраций, причем создавали их вручную.

Затем художник переехал в Нью-Йорк, успешно работал с журналами. «Я лично люблю его раннюю графику. Она была не такая попсовая», – говорит Наталья Карасева.

Вот пример его творчества: рекламный разворот в журнале. Единорог в цвете «фуксия». Обзор тенденций в мире кожи. Прекрасные туфельки. Все замечательно, Уорхол хорошо зарабатывает подобными вещами. Но ближе к 1960-м он чувствует, что уперся в потолок возможностей коммерческого иллюстратора.

И Энди Уорхол открывает студию «Фэктори» («Фабрика»). Даже этим названием намекает, что царит эпоха консюмеризма. Он понимает искусство, как товар.

Банки колы, банки консервированных супов — все слышали об этих его произведениях. Но и люди, например, Мерлин Монро, — тоже продукт.

У него на студии работали десятки людей, порядка 40 человек — действительно мануфактура или даже самая настоящая фабрика. В день они выпускали порядка 80 произведений. Поэтому работы Уорхола можно найти по доступной цене в районе 10 тыс. долларов — это массовая печатная графика. Штамповка, трафарет — это способ ускорить производство, почти конвейер. Работа подмастерьев. Рука самого художника стоит на порядок дороже.

Искусствовед затронула тему «Уорхол и мир музыки» — его работы как дизайнера пластинок.

Обложка с бананом, альбом для группы «The Velvet Underground». Но на обложке нет названия музыкальной группы. Есть образ уже теряющего свежесть банана. (Позднее изображение этого фрукта стало иконой. Даже реальный банан приклеивали на стену, но это уже в наши дни).

Но вернемся к альбому. Имя художника продает лучше, чем название музыкальной группы. Даже сама надпись на конверте пластинки: «Очищай медленно». Символ провокационный, сексуальный. Но ведь это 1967 год. Дух свободы. Протесты против войны во Вьетнаме. Рок-фестивали.

Уорхол использует самую изощренную полиграфию. Интерактивную наклейку на конверте. Причем она многоразовая. Можно содрать и потом прикрепить. Эта наклейка уже коллекционная. Потом допечатка пластинки была, но уже без интерактива — просто, потому что дорого. Сейчас оригинальные экземпляры нужно ловить на аукционах.

Еще одна коллаборация — с легендарной рок-группой «Роллинг стоунз». Интересно, что свои гонорары Уорхол вкладывал в недвижимость, и лидер группы Мик Джаггер с женой даже квартиру у художника снимали.

Вот обложка альбома «Sticky Fingers» («Липкие пальцы»). Уорхол сделал ее трехмерной: в центре композиции джинсы, молния на ширинке расстегивается, она настоящая. В южных штатах США альбом требовали продавать только в конверте.

В еще более консервативной Испании, где тогда все еще правил генерал Франко оригинальную обложку заменили — правда, может еще более провокационной: на ней была изображена консервная банка с отрезанными человеческими пальцами в кровавом соусе.

Идея с настоящей молнией долго не продержалась — опять же, дорого, сложно перевозить. К тому же был риск, что замочек поцарапает пластинку. Но оригинальные пластинки первого выпуска сейчас ценятся коллекционерами.

Когда усы были большими

Сальвадор Дали. Еще один человек-символ. На тематическую вечеринку в стиле Дали вы бы пришли с закрученными тонкими усами и (по возможности) с муравьедом. Усы видны на каждом портрете художника, а о том, как на светский раут он прибыл с необычным питомцем, сложили легенды.

Художник целенаправленно работал над личным брендом, он узнаваем. А вот его работы. Разработка облика «Чупа-чупс». Это испанский бренд конфет. Говорят, что лого был сделан Дали на салфетке мгновенно. Наталья Карасева склонна этому верить: он любил блиц-формат. Форма логотипа — цветок ромашки — сохранилась до сих пор, хотя начертание изменилось.

«Чупа-чупс» гордится этой историей — тем более, что это не вымышленная «легенда бренда», как часто делают маркетологи, а правда.

Вот еще его работа. Евровидение 1969 год проходило в Испании. Это был первый конкурс эпохи цветного телевидения, пришедшего на смену черно-белому. Дали к конкурсу делает объекты на сцену. Это абстрактная работа — с виду не совсем типичный Дали.

А вот постер для городского пространства к тому же событию. Это более «далистый» Дали: глаз, губы, часы, атом. Мистика, провокация. Миньоны поют. И надпись: «Евровидение 1969».

Вот на сцене он на втором плане. Деликатно, чтобы не затмевать исполнителя.

Еще сюжет с Сальвадором Дали — мебель. Это история, которая жила идея с художником 40 лет, а начало ей положено было в 1935 году. Голливудская дива Мэй Уэст. Губы с красной помадой. Дали делает коллаж-обманку — изображает Мэй утилитарными предметами. Например, диван – губы, нос – камин и т.д.

Как диван воплотить в жизнь? Сделать объектом массового производства. Через два года он создает диван в единичном экземпляре для элитного салона.

40 лет спустя Дали вернется к дивану в образе Мэй Уэст. Партнер — испанский дизайнер. Они выпускают его массово, стоит этот предмет мебели около 10 тысяч евро. Они есть любой вкус и кошелек, даже на маркетплейсах можно найти, и производятся до сих пор.

Рано погасшая звезда

Наименее известным из названных на лекции для нашей публики был Жан-Мишель (или просто Мишель) Баския. Это звезда из печального «Клуба 27» — так называли музыкантов, умерших, не переступив рубеж в 27 лет. Дженис Джоплин. Джимми Хендрикс. Джим Моррисон. Мишель Баския.

Родом из Нью-Йорка, родился в 1960 году в семье афро-карибского происхождения, родители были из Пуэрто-Рико и Гаити. Когда Мишель он был подростком, родители развелись, мать попала в психбольницу, и он стал тусоваться на улицах. Занимался уличным искусством. Этим не заработаешь… И тут его подхватили нью-йоркские галереи. Внезапная слава. Баския популярен и не понимает, как тратить деньги. Работает в дорогих костюмах, марает их краской. Спускает деньги на наркотики и гибнет от передозировки в 1988 году.

Его рисунки напоминают детские — что-то первобытное, эмоциональное. При этом он был социально ориентирован — обдумывал расовые проблемы в США. И кому подходит его стиль в итоге? Парадоксально, но — бренду «Тиффани»!

Бернар Арно, владелец бренда, коллекционирует работы Баския.

Недавно проходила масштабная рекламная кампания поп-дивы Бейонсе и ее мужа, рэпера Jay-Z. Еще два участника кампании — картина Жан-Мишеля Баскии «в фирменном цвете бренда» и знаменитый бриллиант Tiffany весом 128,54 карата. (Есть свидетельство, что колер замешал подмастерье, причем, не думая о каких-то ювелирных изделиях, просто совпало. Может быть).

Была война хейта. «Кровавые алмазы». Как же ты, сестра, поддерживаешь фактически рабство людей, потом и кровью добывших драгоценный камень в Южной Африке? «Сестра» — это Бейонсе с ее огромным состоянием.

Наверняка скандал был просчитан маркетологами. Но реклама достигла цели. Адвент-календарь на 2021 год в стиле Баския: 24 голубые коробочки с украшениями Tiffany и предметами для дома. Цель окупила средства. Это была мировая сенсация. Победителей не судят.

«Будьте победителями!» – так закончила свое выступление искусствовед Наталья Карасева.

Ваш бизнес — это искусство

Победителем можно стать, например, в Премии «Малый бизнес – Большие возможности» — напоминают организаторы. — Это не только признание достижений, но и шанс стать частью сообщества успешных предпринимателей, обменяться опытом и лучшими практиками, открыть новые горизонты для развития бизнеса.

Прием заявок на Премию начался 26 мая, окончание приема — 14 сентября 2025 года, а 10 октября состоится торжественное награждение лучших из лучших.

Искусство быть предпринимателем – это ежедневный труд, смелость и вдохновение. Премия призвана отметить тех, кто овладел этим искусством и готов делиться своим опытом с другими.

 Для победы достаточно зарегистрироваться на странице мероприятия на сайте банка. Там же рассказывается об условиях состязания, номинациях и наградах для победителей, которые получат:

• бессрочное бесплатное расчетно-кассовое обслуживание в рамках пакета услуг «Деловой. Комплекс» и бесплатные бессрочные межбанковские переводы в адрес юрлиц и ИП;
• бессрочное бесплатное обслуживание карты МИР Supreme в рамках программы «Премиум» для физлица — первого лица компании-победителя;
• бизнес-разбор от экспертов.

Алексей МИРОНОВ